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English

LYDIA GIFFORD

Library of Nuances

Simone Menegoi

Lydia Gifford’s painting is delicate and ethereal. Who would have guessed that it incorporates mud and dust?

Lydia Gifford has described her work as ‘an enquiry or questioning of what painting is or isn’t, can or can’t be’. Although the artist uses paint in all her works, she doesn’t limit herself to traditional supports such as canvas, paper or wood panel, and often applies her pigments directly on the wall or on the floor. Writing in the French magazine Les Inrockuptibles, art critic Judicaël Lavrador has compared Gifford’s works to the stains caused by time and chance: dust, soot, fat or mud. Lavrador’s comparison couldn’t be more accurate; Gifford really attempts to mimic these elements’ hues by integrating them into a palette she finds too limited otherwise. Her painted supports are freed from verticality: they are tilted, leaning against the wall or making simple volumes. A kind of choreography takes place. There are movements, stops, shifts and transitions, all present – sometimes literally – in the painting. In Passage (2009), three black marks on the wall seem to encapsulate the movement of the hand and to materialise its speed. In Tar and Tie Tie (2010), the lines suggest that the artist has corrected her own gesture, as if the canvas had been moved after Gifford had taken its measurements.

Radical Improvisation

The phrase ‘expanded painting’ doesn’t really do justice to this silent choreography. Nor does it help us to understand the precarious balance between the practice’s performative dimension and its all-important composition in Gifford’s exhibitions. The gestural quality of the artist’s work naturally evokes dance, and overall her shows function like musical improvisations in which established themes (i.e. the artworks previously realised in the studio) are subjected to a singular and unexpected metamorphosis through their encounter with the public. To continue with the analogy, one could compare Gifford’s creative process with a radical kind of improvisation entirely reliant on chance, one that would challenge all the parameters of musical composition with each fortuitous noise. I can’t help thinking about a tune, a piece of music improvised on cello by the late Tom Cora who played with guitarist Hans Reichel in a gig I went to in the early ‘90s. The musicians had discovered that one of stools on stage was creaking and they chose to repeat the noise again and again, creating a haunting raga.

Brackets, Gifford’s recent exhibition at the gallery Marcelle Alix in Paris, was a combination of these ‘orchestrated creakings’ and other, often barely noticeable, circumstantial elements. For instance, the artist painted large chunks of the walls with paint slightly shinier than the gallery’s usual white. The difference between these two nuances was difficult if not impossible to see when the gallery was lit up with artificial light, but it became obvious when looked at in the bright daylight that filtered through the shop window. The artist also painted a black and grey stain on the wall above the doorway linking the gallery’s two spaces. Although visible, this smoky halo was positioned slightly higher than expected and could easily be missed by a distracted visitor.

Nuances

Focused gaze and movement, improvisation and composition, shapes and uncertainty: a growing range of nuances and sensibilities is being developed by the artist within the limits she has chosen for her practice. In a text on her 2008 solo show at London’s Laura Bartlett Gallery, JJ Charlesworth describes these nuances as ‘physical or tactile echoes rather than merely visual ones’ and uses idioms that brilliantly qualify her work, such as ‘looking through’, ‘inside and out’, ‘instability or precariousness’. Although still valid, two years later, this first attempt to define Gifford’s work needs to be expanded upon. Indeed, to her already extensive range of nuances, the artist has added other effects at once more concrete and yet impalpable, which have to do with spatial depth, air and light, natural landscapes and atmospheric phenomena – all transcribed in fresh new colours (a delicate green, a pale grey, among others) first shown at the artist’s Paris exhibition. But one needs to understand that 'landscape' probably means a 'grainy and humid feel' or a ‘mineral and vegetal composite crackling' ; and 'atmosphere' could be translated as 'a fresh foggy light’ or something along the same lines. Rendering these works with words is almost impossible. The sensitive zones defined by the artist cannot be transposed into the precise code that language is. To experience her work first hand provokes sensations that one knows but cannot verbalise (think of the music with which abstract art has been compared since its inception). Gifford’s ‘library of nuances’ (to use the artist’s words) is - as strange as the word might seem - what contains her work.

IMAGE CREDITS

Lydia Gifford, Still Enliven, 2008
MDF, bitumen paint, oil paint, paper
Dimensions variable
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, installation view, Marlborough Fine Art, 2009
Clockwise: Gauzes, On Breathing, Aperture, Red Piece and Components, Passer, Stem of its Voice
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Draw, 2009
Paper, oil paint, ink, vinyl, marble dust
190 x 180 x 30cm
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Passage, 2009
Oil paint, wood, tracing paper, polythene, pigment
280 x 600 x 100cm
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Circle, 2010
video, 6 min
Exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

Lydia Gifford, exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

Lydia Gifford, Tarr, 2010
MDF, canvas, oil paint, pigment
218 x 78 x 2 cm (canvas: 58 x 50 x 2 cm)
Exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

Français

LYDIA GIFFORD

Bibliothèque de nuances

Simone Menegoi

La peinture de Lydia Gifford est délicate, aérienne, légère. Qui aurait cru que l'artiste incorpore à sa peinture boue et poussière ?

Lydia Gifford définit son travail comme “une recherche sur la nature de la peinture et son potentiel”. Bien que la peinture soit matériellement présente dans toutes ses œuvres, elle ne se limite pas aux supports traditionnels (toile, papier, bois en médium) et n'hésite pas à envahir les mur de taches ou le sol de pigments de couleur. Dans Les Inrockuptibles, Judicaël Lavrador comparait la peinture de Gifford aux traces de saleté que le hasard et le temps ont laissé sur les choses : poussière, suie, graisse, boue. Sa comparaison ne pouvait être plus exacte puisque Gifford mélange réellement ces matières à sa palette de couleurs, trop restreinte à son goût, pour en imiter les teintes. Les supports peints se libèrent de la surface verticale : ils se disposent, obliquement, entre le mur et le sol, ou donnent vie à de simples volumes. Une sorte de chorégraphie prend forme, faite de mouvements et de brusques arrêts, de glissements et de passages, dont la peinture se charge de garder la trace, parfois au sens littéral du mot. Dans Passage (2009), trois marques noires sur le mur donnent la sensation de saisir les gestes précis du bras et de la main, et de visualiser leur rapidité d’exécution. Dans Tarr et Tie Tie (2010), les lignes tracées au mur suggèrent que l’artiste a rectifié son geste, comme si la toile d'à côté avait été déplacée, après que Gifford a pris ses mesures.

Improvisation radicale

Ainsi l’expression “expanded painting” ne rend pas totalement compte de cette silencieuse chorégraphie, pas plus qu’elle ne nous éclaire sur l’équilibre délicat qui se crée, dans l’exposition, entre la dimension performative de sa peinture et sa composition, tout aussi importante. La qualité gestuelle du travail de Gifford fait naturellement penser à la danse et la construction d’ensemble de ses expositions fonctionne à la façon d'une improvisation musicale lorsque les thèmes principaux préétablis (soit les œuvres réalisées en atelier) subissent, dès leur rencontre avec le public, une métamorphose singulière et inattendue. Si on devait pousser l'analogie un peu plus loin, on pourrait rapprocher le processus créatif de Gifford à un genre d'improvisation encore plus radical, totalement livré au hasard, capable de remettre en jeu tous les paramètres de la composition au moindre petit bruit fortuit. Un air de musique affleure ma mémoire, un morceau improvisé et interprété par le regretté Tom Cora au violoncelle avec Hans Reichel à la guitare, dans un concert auquel j’avais assisté au début des années 1990 : un fragile et hypnotique râga né du grincement d’un tabouret sur lequel était assis un des musiciens, un bruit découvert par hasard durant le concert, et répété volontairement pour instaurer un rythme.

Brackets, la récente exposition personnelle de l’artiste dans la galerie parisienne Marcelle Alix, reposait pleinement sur le rythme établi entre ces “grincements” et d’heureux hasards liés au contexte, parfois joués à la limite de la perception. L’artiste a peint de grandes surfaces de blanc avec une peinture légèrement plus brillante que celle des murs immaculés de la galerie. La différence entre les deux nuances était difficile, voire impossible à saisir sous un éclairage artificiel et devenait soudainement visible à la lumière du jour, rasante, filtrée par la vitrine de la galerie. L'artiste avait aussi peint une tâche grise et noire sur le mur, au-dessus de l’ouverture qui sépare la première de la deuxième salle. L'auréole de fumée, certes visible, était légèrement plus haute que le champ de vision d'un visiteur distrait.

Nuances

Regard et mouvement, improvisation et composition, forme et incertitude : une gamme croissante de nuances et de sensibilités s'est développée au sein des limites que Gifford s'est fixée dans son travail. Dans un texte consacré à son exposition personnelle à la galerie Laura Bartlett en 2008 à Londres, JJ Charlesworth décrit ces nuances comme “des échos physiques et tactiles plus que de simples échos visuels” et utilise des tournures qui définissent brillamment son travail ("voir au travers", "au dedans et au dehors", "instabilité ou vulnérabilité"...). Deux ans plus tard, cette tentative de définition, bien qu'elle soit toujours valide, doit être reprécisée compte tenu de la récente évolution de cette œuvre picturale toujours plus sophistiquée. À la longue liste de nuances viennent s'ajouter des effets à la fois plus concrets et tout aussi impalpables, liés à la profondeur spatiale, l’air et la lumière, aux paysages naturels et aux phénomènes atmosphériques, à en juger par les tonalités chromatiques inédites révélées dans sa récente exposition à Paris (un vert délicat, du gris clair). Mais précisons : "paysage" se rapporte à un sentiment "granuleux et humide" ou "un craquement composite à la fois minéral et végétal", et il faut entendre "atmosphère" dans le sens d'une "luminosité fraîchement brumeuse". De toute évidence, la traduction de ce travail en mots est quasiment impossible. Les zones sensibles définies par l'artiste ne sont pas transposables dans les codes précis de notre langue. L'expérience de son œuvre suscite des sensations parfaitement reconnaissables mais impossibles à verbaliser (pensons à la musique qui a servi d'élément de comparaison dans l’art abstrait depuis son origine). Cette "bibliothèque de nuances" (selon les propres mots de l’artiste) est le contenu (même si le terme peut sembler étrange) de son travail.

IMAGE CREDITS

Lydia Gifford, Still Enliven, 2008
MDF, bitumen paint, oil paint, paper
Dimensions variable
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, installation view, Marlborough Fine Art, 2009
Clockwise: Gauzes, On Breathing, Aperture, Red Piece and Components, Passer, Stem of its Voice
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Draw, 2009
Paper, oil paint, ink, vinyl, marble dust
190 x 180 x 30cm
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Passage, 2009
Oil paint, wood, tracing paper, polythene, pigment
280 x 600 x 100cm
Courtesy Laura Bartlett Gallery

Lydia Gifford, Circle, 2010
video, 6 min
Exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

Lydia Gifford, exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

Lydia Gifford, Tarr, 2010
MDF, canvas, oil paint, pigment
218 x 78 x 2 cm (canvas: 58 x 50 x 2 cm)
Exhibition view, Brackets, Marcelle Alix, Paris, 2010
photo: Aurélien Mole

 
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