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English

Direct from Neuchâtel

Interview with Donatella Bernardi

Fabienne Bideaud

Filmmaker, visual artist, art critic, curator, academic, manager: Donatella Bernardi has plenty of feathers in her cap. Ranging from scouts’ slogans to Hannah Arendt, her research topics mix disciplines and unsettle the order of things.

Catalogue: I first came across your work in the exhibition Utopics (2009) in Bienne, where you showed as part of the collective Zorro & Bernardo. Tell me about your collaboration with Andrea Lapzeson, your partner in that group.

Donatella Bernardi: Zorro & Bernardo results from my encounter with the KLAT collective in 2001. This is how I met Andrea Lapzeson, who was part of this group. Together, we wanted to test the ideal of the collective, and decided to be at once entrepreneurs, authors, publishers and curators. In a cultural context still favouring individualism and the ‘author’s signature’, we investigated the autonomy paradoxically offered by a collective structure. Our thinking on popular culture, power, migration and historiography was a kind of resistance to the tabula rasa of ideas, ‘hypercontemporaneity’ and generational phenomena. What does it mean to be an artist from the ‘80s, ‘90s, 2000s? I’m uncomfortable with these kinds of categorisations.

C: Your first work together didn’t fail to get attention …

D.B: Out of Ooze (2001) is a three-by-three metre embroidered banner meant to serve as a backdrop for the graduation ceremony at the École Supérieure des Beaux-Arts in Geneva. The title comes from a scout group’s motto found on the internet: ‘Out of the ooze and born to cruise’. We wanted to ironically critique the teaching system at the Beaux-Arts and to question the value of its degree. It didn’t go down well with the director, who removed the banner from the graduation hall and displayed it in a normal exhibition room. It was taken very seriously, too seriously perhaps …

C: Your work encompasses curating, publishing, art criticism and public talks. Is there a common logic linking these various activities?

"My research occasionally needs to be carried out by others – that’s when I collaborate with other artists, a process that I find particularly rewarding."

D.B: Everything I do, I do as an artist. I find it exciting to work in different fields and choose formats according to the subject I’m working on. My research occasionally needs to be carried out by others – that’s when I collaborate with other artists, a process that I find particularly rewarding. It’s not about using them, but about creating a situation enriched by the perception of their work. Let’s take, for example, the book I made with the collective Zorro & Bernardo L’âne et le lion (‘The Donkey and the Lion’) (2008). Every year, the Classe des Beaux-Arts, part of the Société des Arts in Geneva, invites artists to publish a booklet documenting their work. We undermined the commission’s premise by producing an artist book rather than a catalogue of our previous pieces. In close collaboration with a specialist of Italian literature, Demis Quadri, we translated and re-wrote a piece based on twelve fragments from The Candlestick (1582) by Giordano Bruno, a Dominican monk, philosopher and theologian burnt alive in 1600 during the Inquisition. I wrote a piece on the relationship between time and translation. Quadri composed a fable based on the story in Zorro & Bernardo’s statement and he finished the book with an enormous ensemble of notes, itself including thirty-six footnotes – an absurd kind of exegesis. The artists Nicolas Wagnières and Dr Shlomo illustrated with a black and white plate each of the twelve textual fragments.

C: History has a major place in your practice. How do you tackle this discipline?

D.B: I like to mess around with historical data, and love, for example, the model of artist Alejandra Riera who teaches the ‘history of the present’ at the Beaux-Arts in Bourges. It’s such a great formula. I always start with the now, the why, the how. For example Eternal Tour 2009 XZY – a scientific and artistic festival we organised in the canton of Neuchâtel – started with the histories of its various venues to investigate particular themes. For the exhibition Le monde selon Suchard (‘Suchard’s World View’) at the Musée d’Art et d’Histoire in Neuchâtel, we invited the artist Stephen J. Shanabrook and displayed his chocolate moulds realised in Moscow’s morgue. Beat Lippert’s work was displayed within the permanent collection. He showed L’épine du Spinario et le garçon qui cherche à sortir du musée (‘The Spirnario’s Thorn and the Boy Who Tries to Get Out of the Museum’) (2009), a take on the Boy with Thorn, currently kept in Rome at the Palazzo dei Conservatori, part of the Musei Capitolini. All my projects are linked to the context of the exhibition, be it the city where it’s taking place, or a local anecdote. For Utopics, the 11th Exhibition of Swiss Sculpture in Bienne, Zorro & Bernardo suggested the piece Les Barbus (‘The Bearded Men’), a direct response to the exhibition’s context, one of the first glass facades in Switzerland on a building currently occupied by Bienne’s Reformed Church. We put the characteristic beards of four famous Swiss reformers – Jean Calvin, Théodore de Bèze, Guillaume Farel, Pierre Viret – on the church’s windows. This is a typical example of the way I work: with a playful and associative re-reading of history.

"My research is very scientific, but I always keep an element of instinct, a curiosity, a taste for atypical situations, objects and unlikely parallels."

C: Could you be described as an ‘artist-anthropologist’?

D.B: It’s true that unlike ethnology or sociology, which analyse society by setting up patterns, anthropology looks at particular cases and focuses on singularities. I feel quite close to this approach; it’s probably obvious but I don’t believe in ex-nihilo creation. I wanted to study philosophy at university and I ended studying art history, almost by chance. It’s in this academic context that I learnt how to refine my search for information. Each project is the result of thorough research on a clearly defined subject. For some of them, my research is very scientific, but I always keep an element of instinct, a curiosity, a taste for atypical situations, objects and unlikely parallels that could invalidate my work from an academic point of view. My curiosity is what gets me started. The intellectual phase is as important for me as the phase of realisation. Gilles Deleuze thought that the philosopher’s task was to create concepts. To be an artist is to materialise ideas and situations.

C: What’s the Talking objects series?

D.B: It’s an ongoing project. At the beginning of her posthumous book The Life of the Mind (1978) Hannah Arendt writes: ‘There’s no subject which isn’t also object and appears as such to the other, guarantying its ‘objective’ reality … The fact that I’m aware of myself isn’t enough to guarantee this reality.’ The perspective on life encapsulated by this quote is for me a fantastic incentive to rethink the power relationship within the collective and society at large, to reconsider gender issues, etc. The installation Talking object HA (2008) was an ‘anti-monument’ dedicated to Arendt, the philosopher of 20th-century totalitarianism. The viewer was invited to walk on a 10 metre-long sticker on the floor. Its patterns combined medieval decorative motifs from the Cosmati School which harks back to antiquity, with contemporary logos and, in the middle of the composition, the philosopher’s initials. Womanhood is a recurrent subject in my work, and I often pay homage to it. Even today, being a woman is synonymous with fighting. Why? Feminism isn’t my primary subject, but I like to go back to it and my books usually manifest these intentions. Post Tenebras Luxe and the Eternal Tour 2009 XZY all have a ‘feminist’ aspect.

"Showing nothing was the best way to link the exhibition and the Ka’aba, freed from its idols by Muhammad in 630 AD."

C: You recently worked on another historical figure, Albert Einstein.

D.B: Einstein is a staple of Bern’s tourism. There is a permanent exhibition dedicated to him at the Historisches Museum, a place distinguished by its staircase covered with mirrors. For my solo show Gott würfelt nicht, er rundet Ecken ab (‘God Doesn’t Play Dice, He Smoothes the Edges’) at the PROGR-Zentrum für Kulturproduktion lodge in Bern (2009), I started with a sentence he’s supposed to have said, ‘God doesn’t play dice.’ I combined small cubes (the dice) with another, bigger cubed linked to a project I was then also working on (Eternal Tour 2010-Jerusalem) the Ka’aba, a big black square box in Mecca, one of the most sacred things in Islam. During a trip to Jerusalem, I photographed images of the Ka’aba spray-painted on the door of houses, which indicates that the occupier has done his or her pilgrimage to Mecca. In the exhibition space, I covered half of the walls with black Plexiglas, echoing the mirrors in the Historisches Museum’s staircase. The space was repeated ad infinitum, like in a mirror palace, but it was also distorted because of the material’s flexibility. There was nothing else in the exhibition, I simply worked on the walls and spray-painted a Ka’aba next to the exit door. Showing nothing was the best way to link the exhibition and the Ka’aba, freed from its idols by Muhammad in 630 AD. I interwove two kinds of travelling, tourism around the figure of Einstein and the Mecca pilgrimage.

C: You’ve also used this lexicon of spray paint motifs for the group show L’Intermédiaire (2009) in the Live in Your Head Space in Geneva.

D.B: I did a wall painting with Sellotape, consisting of three vertical strips using different reds and greens. A ‘forest’ of small spray-painted minarets occupied this large decorative panorama. Their design drew both on the Jerusalem paintings I was talking about earlier, and on the ad campaign led by the Swiss right-wing party UDC, which started an initiative against minarets ratified by the Swiss people on September 29th 2009. It was a shifting process: from the formal signification of this religious sign to a reflection on the Swiss political state of affairs.

IMAGE CREDITS

Donatella Bernardi, Talking object HA, 2008
Autocollant, 10 x 10 m
Design : Niels Wehrspann
Courtesy de l’artiste

Zorro & Bernardo, Les Barbus, 2009
Autocollant sur vitre
Design : Niels Wehrspann
Courtesy : Utopics, 11e Exposition Suisse de Sculpture, Bienne
Crédit photographique : Annik Wetter

Donatella Bernardi, L’Intermédiaire, 2009
Peinture au scotch
Courtesy : Live In Your Head, HEAD – Haute école d’art et de design, Genève
Crédit photographique : Virginie Otth

Zorro & Bernardo, Out of the ooze, 2001
Bannière
Courtesy : Donatella Bernardi, Klat et Andrea Lapzeson
Crédit photographique : Donatella Bernardi

Dr Shlomo pour Zorro & Bernardo, L’âne et le lion, 2008
Dessin à l’encre de chine sur papier
Courtesy : Dr Shlomo

Donatella Bernardi, Les héritiers de la Comtesse, 2009
Photographie de plateau de la vidéo, 55 min
(Allégorie de l’amour sacré et de l’amour profane, copie d’après Ludwig Stern)
Courtesy : Box Productions, Elena Tatti et Thierry Spicher, Renens
Crédit photographique : Bettina Herzner

Donatella Bernardi et Schönherwehrs, Post Tenebras Luxe, 2009
Exposition au Musée Rath, Genève, photographie de communication
Conception visuelle : Schönherwehrs
Stylisme : Pascale Hug, maquillage : Francis Ases, bouton de manchette : Bernard Metzger, Guillard Lausanne, mobilier : Teo Jakob, graffiti : Dirty Hands
Courtesy : Ville de Genève
Crédit photographique: Sandra Pointet

Donatella Bernardi, Gott würfelt nicht, er rundet Ecken ab (Dieu ne joue pas aux dés, il arrondit les angles), 2009
Plexiglas
Courtesy : La Loge, Progr, Berne
Crédit photographique : Sully Balmassière

Français

En direct de Neuchâtel

Entretien avec Donatella Bernardi

Fabienne Bideaud

Vidéaste, plasticienne, critique, curatrice, chercheuse, gestionnaire, Donatella Bernardi est un caméléon. Des slogans scouts à Hannah Arendt, ses recherches mélangent les disciplines et dérangent leur hiérarchie.

Catalogue : J'ai découvert votre travail au sein du collectif Zorro & Bernardo à l'occasion de l'exposition Utopics (2009) à Bienne. Pourriez-vous me parler de votre collaboration avec Andrea Lapzeson ?

Donatella Bernardi : Zorro & Bernardo est né de ma rencontre avec le collectif KLAT en 2001 dont faisait alors partie Andrea Lapzeson. Nous voulions expérimenter l’idéal du collectif : nous étions à la fois entrepreneuses, auteurs, éditrices, commissaires d'exposition. Au sein d’un système qui privilégie l’individualisme et la signature de l'auteur, nous revendiquions l'autonomie que peut, paradoxalement, offrir le collectif. Notre réflexion sur la culture populaire, le pouvoir, la migration, l’historiographie était une forme de lutte contre la tabula rasa des idées, l’"hypercontemporanéité" et les phénomènes générationnels. Que signifie être un artiste des années 1980, 1990, 2000 ? À l’heure actuelle, cette catégorisation me dérange…

C : Votre première œuvre ensemble n'est pas passée inaperçue...

D.B : Out of Ooze (2001) est une bannière de trois mètres sur trois brodée par nos soins et destinée à servir de toile de fond à la cérémonie de remise des diplômes de l’École supérieure des Beaux-Arts de Genève. Le titre vient de la devise d’un groupe de scouts américains trouvée sur l'Internet : "Out of the ooze and born to cruise", dont la traduction approximative pourrait être : "hors de la boue et nés pour voguer". Notre intention était de critiquer ironiquement le système d’enseignement aux Beaux-Arts et de poser la question de l’intérêt du diplôme. Le directeur de l'école n’a pas apprécié notre critique. Il a enlevé la bannière de la salle de cérémonie et l'a déplacée dans une salle d’exposition ordinaire. Elle a été prise très au sérieux, trop peut-être...

C : Votre travail couvre d’autres champs d’action comme le commissariat d’exposition, l'édition, la critique d'art, les conférences. Quelle est la logique qui sous-tend ces activités?

"Mes recherches nécessitent parfois un relais puissant et enrichissant que je trouve auprès d’autres artistes."

D.B : Tout ce que je fais, je le fais en tant qu’artiste. Il est motivant pour moi d'agir dans plusieurs domaines et de choisir un format en fonction du point de vue que je souhaite développer. Mes recherches nécessitent parfois un relais puissant et enrichissant que je trouve auprès d’autres artistes. Il ne s’agit pas de les instrumentaliser mais de créer une mise en scène qui joue sur la perception de leur travail. L'édition fait aussi partie de ma pratique artistique. Prenons par exemple la publication L’âne et le lion (2008) que j'ai réalisée au sein du collectif Zorro & Bernardo. Chaque année, la Classe des Beaux-Arts de la Société des Arts de Genève invite quelques artistes à publier un petit cahier qui documente leur travail. Nous avons contourné les paramètres de la commande en réalisant un livre d'artiste plutôt qu’un catalogue de nos œuvres. En collaboration avec Demis Quadri, spécialiste de littérature italienne, nous avons fait un travail de réécriture et de traduction à partir de douze fragments de la pièce Le chandelier (1582) de Giordano Bruno, moine dominicain, philosophe et théologien, brûlé par l’Inquisition en 1600. J’ai écrit un texte sur la relation que la traduction entretient avec le temps. Quadri a composé une fable à partir de l'histoire du statement de Zorro & Bernardo qu'il a complétée par un appareil de notes qui compte trente-six notes de bas de page, une exégèse délirante. Les artistes Nicolas Wagnières et Dr Shlomo ont réalisé douze planches en noir et blanc pour illustrer chaque fragment.

C : L'histoire occupe une grande place dans votre travail. Comment approchez-vous cette discipline ?

D.B : Je joue avec les données historiques. J'aime citer l'exemple de l'artiste Alejandra Riera qui enseigne l’"histoire du présent" aux Beaux-Arts de Bourges. Je trouve que c’est une très jolie formule. Je parle toujours du présent, du pourquoi, du comment. Par exemple, Eternal Tour, un festival artistique et scientifique que nous avons organisé en 2009 dans le canton de Neuchâtel, s’appuie sur l’histoire des divers lieux investis pour en revisiter des thématiques précises. Pour l’exposition Le monde selon Suchard au Musée d’Art et d’Histoire de Neuchâtel, nous avons fait intervenir l’artiste Stephen J. Shanabrook en y intégrant ses moulages en chocolat réalisés à la morgue de Moscou. L’artiste Beat Lippert a investi la collection permanente avec son œuvre L’épine du Spinario et le garçon qui cherche à sortir du musée (2009) qui est une relecture du Tireur d’épine conservé actuellement à Rome aux Musées capitolins dans le Palais des Conservateurs. Chaque projet que je réalise est intimement lié au lieu d’exposition, à la ville ou à une anecdote de la région. Pour Utopics, 11e Exposition Suisse de Sculpture à Bienne, Zorro & Bernardo a proposé Les Barbus en lien avec le lieu de l’installation, une des premières façades en verre de Suisse sur un immeuble dont les locaux sont actuellement loués par la paroisse réformée de Bienne. Quatre barbes stylisées de célèbres réformateurs suisses – Jean Calvin, Théodore de Bèze, Guillaume Farel, Pierre Viret – se déclinaient sur les vitres de la paroisse. Tout mon travail se construit ainsi, par une actualisation ludique et analogique de l'histoire.

"Pour certains, mes recherches sont très scientifiques, mais je garde une part d’instinct, de curiosité, un goût pour les situations et les objets atypiques."

C : Pourrait-on vous définir comme une "artiste-anthropologue" ?

D.B : Il est vrai qu’à l’inverse de l’ethnologie ou de la sociologie qui paraissent analyser la société par la création de schémas, l’anthropologie préfère se pencher sur des cas précis, particuliers, sur des singularités. Par ailleurs, et c’est sans doute une évidence, je ne crois pas à la création ex nihilo. Je voulais faire de la philosophie à l’université, j’ai finalement fait de l’histoire de l’art, un peu par hasard. C’est dans ce contexte universitaire que j’ai appris à aller chercher l’information de manière spécialisée. Chaque projet est l’aboutissement d’une recherche approfondie sur un sujet très défini. Pour certains, mes recherches sont très scientifiques, mais je garde une part d’instinct, de curiosité, un goût pour les situations et les objets atypiques, les rapprochements improbables, ce qui peut invalider mon travail d’un certain point de vue académique. Ma curiosité est mon arme d’accroche. L’étape intellectuelle est une phase aussi importante que la phase de concrétisation. Gilles Deleuze pensait que le philosophe avait pour tâche de créer des concepts. Être artiste consiste à concrétiser des idées et des situations.

C : Qu’est ce que la série des Talking objects ?

D.B : C'est une série que je développe constamment. Au début de son livre posthume La vie de l’esprit, La pensée (1978), Hannah Arendt écrit : "Il n'est pas de sujet qui ne soit également objet et n'apparaisse ainsi à l'autre qui en garantit la réalité 'objective'. (…) Le fait que j'ai aussi le sentiment de moi-même, ne suffirait jamais à garantir ma réalité". La conception de la vie qui transparaît dans cette courte citation est pour moi un fabuleux encouragement à repenser les rapports de pouvoir au sein du collectif et de la société, la question du genre, etc. L’installation Talking object HA (2008) est un "anti-monument" dédié à Arendt, la philosophe du totalitarisme du XXe siècle. Le spectateur était invité à marcher sur un sticker de dix mètres sur dix installé au sol, dont le dessin alliait des "cosmates", des motifs décoratifs médiévaux hérités de l’Antiquité à des logos contemporains avec, au centre de la composition, les initiales de la penseuse. La femme est un sujet qui revient régulièrement dans mon travail, je lui rends souvent hommage. Être femme est synonyme de combat, encore aujourd'hui. Pourquoi ? Ce n’est pas un combat que je mène de front mais plutôt un sujet sur lequel j’aime revenir. Mes publications sont généralement le réceptacle de ces intentions. Post Tenebras Luxe et l'Eternal Tour 2009 XZY contiennent une certaine dose de "féminisme".

"Ne rien exposer dans la Loge était une façon de faire un lien avec la Ka’aba vidée de ses idoles par Mohamed en 630 après J-C."

C : Vous avez récemment travaillé autour d'une autre figure historique, Albert Einstein.

D.B : Einstein est une figure touristique de la ville de Berne. Une exposition permanente lui est consacrée au Historisches Museum. Des miroirs recouvrent intégralement les parois de la cage d’escalier du musée. Pour mon exposition personnelle Gott würfelt nicht, er rundet Ecken ab (Dieu ne joue pas aux dés, il arrondit les angles) à la Loge du PROGR-Zentrum für Kulturproduktion à Berne (2009), je suis partie d’une phrase qu'on lui attribue : "Dieu ne joue pas aux dés". J’ai associé ces petits cubes (les dés) à un autre cube, plus grand, (en lien avec la préparation d’un autre projet que je menais à la même période Eternal Tour 2010-Jérusalem), la Ka’aba, une grande boîte noire cubique qui se trouve à la Mecque, un des éléments les plus sacrés de l’Islam. Lors d'un voyage à Jérusalem, j’avais photographié des représentations de la Ka’aba réalisées à la bombe et au pochoir sur les portes des maisons et qui signifient que l’habitant a effectué son pèlerinage à la Mecque. J’ai donc recouvert la moitié des parois de l’espace d'exposition avec du plexiglas miroir en lien avec la cage d’escalier du Historisches Museum. L’espace se démultipliait à l’infini, comme dans un palais des glaces, tout en restant distordu à cause de la flexibilité du matériau. Il n'y avait rien dans l'espace, je suis seulement intervenue sur les parois et j'ai imité une Ka’aba au pochoir à côté de la porte de sortie. Ne rien exposer dans la Loge était une façon de faire un lien avec la Ka’aba vidée de ses idoles par Mohamed en 630 après J-C. Par ailleurs, je tissais le lien entre deux formes de voyage : le tourisme autour d’Einstein et le pèlerinage pour la Ka’aba.

C : Vous avez également utilisé ce répertoire de signes au pochoir pour l’exposition collective L’Intermédiaire (2009) à Genève dans l'espace Live In Your Head.

D.B : J’ai réalisé une peinture murale au scotch composée de trois bandes verticales dans une déclinaison de vert et de rouge. Une "forêt" de petits minarets peints à la bombe et au pochoir est venue peupler ce grand panorama décoratif. Leur design était emprunté à la fois aux peintures de Jérusalem que j’évoquais précédemment mais aussi à la campagne d’affichage du parti politique de droite en Suisse, l’UDC, à l'origine de l’initiative contre les minarets approuvée par le peuple suisse le 29 novembre 2009. J'opérais un glissement du sens formel de ce signe religieux vers une réflexion sur l’actualité politique suisse.

IMAGE CREDITS

Donatella Bernardi, Talking object HA, 2008
Autocollant, 10 x 10 m
Design : Niels Wehrspann
Courtesy de l’artiste

Zorro & Bernardo, Les Barbus, 2009
Autocollant sur vitre
Design : Niels Wehrspann
Courtesy : Utopics, 11e Exposition Suisse de Sculpture, Bienne
Crédit photographique : Annik Wetter

Donatella Bernardi, L’Intermédiaire, 2009
Peinture au scotch
Courtesy : Live In Your Head, HEAD – Haute école d’art et de design, Genève
Crédit photographique : Virginie Otth

Zorro & Bernardo, Out of the ooze, 2001
Bannière
Courtesy : Donatella Bernardi, Klat et Andrea Lapzeson
Crédit photographique : Donatella Bernardi

Dr Shlomo pour Zorro & Bernardo, L’âne et le lion, 2008
Dessin à l’encre de chine sur papier
Courtesy : Dr Shlomo

Donatella Bernardi, Les héritiers de la Comtesse, 2009
Photographie de plateau de la vidéo, 55 min
(Allégorie de l’amour sacré et de l’amour profane, copie d’après Ludwig Stern)
Courtesy : Box Productions, Elena Tatti et Thierry Spicher, Renens
Crédit photographique : Bettina Herzner

Donatella Bernardi et Schönherwehrs, Post Tenebras Luxe, 2009
Exposition au Musée Rath, Genève, photographie de communication
Conception visuelle : Schönherwehrs
Stylisme : Pascale Hug, maquillage : Francis Ases, bouton de manchette : Bernard Metzger, Guillard Lausanne, mobilier : Teo Jakob, graffiti : Dirty Hands
Courtesy : Ville de Genève
Crédit photographique: Sandra Pointet

Donatella Bernardi, Gott würfelt nicht, er rundet Ecken ab (Dieu ne joue pas aux dés, il arrondit les angles), 2009
Plexiglas
Courtesy : La Loge, Progr, Berne
Crédit photographique : Sully Balmassière

 
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